No se limitó a escribir canciones. Construyó la arquitectura de la época dorada de Broadway. Richard Rodgers (1902-1979) fue un titán. Un compositor con más de 1.500 canciones a su nombre. Coescribió más de 50 musicales. Algunos de ellos cambiaron el teatro para siempre.
Piense en Oklahoma! en 1943. Piense en The Sound of Music en 1959. O en Pal Joey en 1940. Estos no son sólo espectáculos. Son hitos.
Rodgers es una de las pocas personas que alguna vez alcanzó el estatus EGOT. Eso significa que ganó el Emmy, el Grammy, el Oscar y el Tony. Los cuatro premios principales. Lo hizo antes de que existiera Internet. Antes de la transmisión. Antes de que la industria moderna tomara el control.
Vida temprana y raíces
Nacido en Hammels Station, Nueva York, el 28 de junio de 1902. Fue uno de dos hijos. Sus padres eran inmigrantes judíos rusos. Su padre, William Rodgers (originalmente Rogazinsky), era médico. Su madre, Mamie (de soltera Levy), tocaba el piano en casa. Ella era una músico aficionada.
Esa vida hogareña importaba. El joven Richard aprendió piano temprano. Comenzó a componer para espectáculos de clubes de chicos amateurs. En su adolescencia, ya no sólo escribía melodías. Estaba escribiendo musicales completos. Había protegido los derechos de autor de su trabajo antes de que la mayoría de los niños terminaran la escuela secundaria.
La asociación Hart
Antes de los años de Hammerstein, estaba Lorenz Hart. La asociación fue legendaria. Definió la década de 1930. Sus canciones eran ingeniosas. Afilado. Agridulce. Crearon un nuevo tipo de comedia musical. Uno donde la letra y la música estaban estrechamente entrelazadas. No sólo éxitos independientes.
Rodgers y Hart escribieron juntos durante años. Se ganaron una reputación. Un estilo. Un sonido. Fue distinto. Era de ellos.
La colaboración con Lorenz Hart definió una era del teatro musical estadounidense, combinando el genio melódico de Rodgers con el ingenio lírico de Hart.
Pero las asociaciones cambian. La guerra lo cambió todo. Y luego vino Oscar Hammerstein II.
La era de Rodgers y Hart
La asociación de Richard Rodgers con Lorenz Hart comenzó en 1919. Se conocieron a través de una conexión con el hermano de Rodgers. Hart era siete años mayor. Había abandonado la Universidad de Columbia. Trabajó traduciendo óperas y obras de teatro alemanas. Ambos hombres admiraban a Jerome Kern. Kern fue el compositor detrás de Show Boat. Fue pionero en un estilo de teatro musical claramente estadounidense.
Rodgers se matriculó en Columbia. Él y Hart colaboraron en el programa universitario de 1919, Fly with Me. Rodgers dejó Columbia después de un año y medio. Quería componer a tiempo completo para teatro musical. Estudió en el Institute of Musical Art de Nueva York. Esta escuela ahora se conoce como la Escuela de Música Juilliard. Allí pasó dos años estudiando composición. Durante ese tiempo, él y Hart produjeron juntos varios programas de aficionados.
Su primera ruptura profesional se produjo en 1925. La revista se llamó The Garrick Gaieties. Incluía la canción “Manhattan”. Su comedia de 1936, On Your Toes, cambió el panorama del género. Presentaba el ballet de jazz Slaughter on Tenth Avenue. George Balanchine se encargó de la coreografía. Esta producción introdujo el ballet en el escenario musical. Estableció la danza seria como un elemento permanente de la comedia musical.
Siguieron otras obras notables. Babes in Arms llegó en 1937. Nos dio “My Funny Valentine” y “The Lady Is a Tramp”. También escribieron Me casé con un ángel en 1938. Ese mismo año, adaptaron La comedia de los errores de Shakespeare a Los muchachos de Siracusa.
Pal Joey en 1940 marcó un cambio. Adaptada por John O’Hara a partir de sus propios cuentos, se alejaba del puro escapismo. Apuntaba a un drama serio. Era demasiado realista para su época. El público no respondió bien al principio. Pero un resurgimiento en 1952 trajo un enorme éxito. El programa incluía “Embrujada, molesta y desconcertada”.
La pareja también escribió para películas. “Blue Moon” se lanzó en 1934. Fue su única canción que no se presentó en una producción teatral o cinematográfica. Su última colaboración fue By Jupiter en 1942. Esto se produjo un año antes de la muerte de Hart.
El cambio hacia Oscar Hammerstein
Después de la muerte de Hart, Rodgers necesitaba un nuevo letrista. Se dirigió a Oscar Hammerstein II. Esta asociación definiría la Edad de Oro de Broadway. Pero la transición no fue instantánea. Rodgers tuvo que adaptarse al enfoque literario de Hammerstein. Hart había sido la mitad ingeniosa y cínica del dúo. Hammerstein era el idealista.
El primer gran éxito llegó con Oklahoma! en 1943. Integraba canción, danza e historia en un todo perfecto. Esta fue una desviación de los inicios del estilo revista de la era de Rodgers y Hart. El éxito de Oklahoma! allanó el camino para éxitos masivos. Carrusel siguió en 1945. Pacífico Sur llegó en 1949. El Rey y yo llegamos en 1951.
Luego vino El sonido de la música en 1959. Se convirtió en uno de los musicales más queridos de todos los tiempos. rodgers y
El plan de Rodgers y Hammerstein para dominar Broadway
Comenzó con Green Grow the Lilacs. En 1942, Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II tomaron la obra de Lynn Riggs y la transformaron en algo completamente nuevo. El resultado fue ¡Oklahoma! en 1943. No fue sólo un éxito. Rompió el molde.
El espectáculo tuvo 2.248 funciones. Esa cifra era asombrosa en ese momento. La coreografía de Agnes de Mille fusionó la danza con la narrativa de una manera que el público no había visto antes. Canciones como “Oh, What a Beautiful Morning” y “People Will Say We’re in Love” no sólo entretuvieron; avanzaron la trama. La adaptación cinematográfica de 1955 capturó esa magia, pero la versión teatral ganó el Premio Pulitzer en 1944. Esta asociación duró 17 años. Sólo terminó cuando murió Hammerstein.
El éxito generó más trabajo. Carousel siguió en 1945, con una versión cinematográfica en 1956. Fue buena. Allegro en 1947 fue experimental y tropezó. Pero luego llegó el Pacífico Sur en 1949.
Esto fue diferente. El programa abordó de frente los prejuicios raciales. No le tenía miedo. La música coincidía con la profundidad psicológica de los personajes. “Some Enchanted Evening” y “Younger than Springtime” se convirtieron en estándares, pero el verdadero poder estaba en la confrontación de prejuicios. La presentación en Broadway duró casi tanto como Oklahoma!. Rodgers y Hammerstein ganaron un segundo premio Pulitzer en 1950. Rodgers también se llevó a casa un Tony a la mejor partitura original.
Ampliación del catálogo y crossovers de Hollywood
Mantuvieron el impulso. El Rey y yo llegamos en 1951. Era exótico, complejo y visualmente impactante. Siguió una versión cinematográfica en 1956. Luego vino Pipe Dream en 1955. No tuvo tanta resonancia. The Flower Drum Song de 1958 aportó un sabor cultural diferente al escenario, con una versión cinematográfica en 1961.
Pero la joya de la corona fue El sonido de la música. Estrenada en 1959, se convirtió en uno de sus mayores éxitos. Ganó el Tony al Mejor Musical. El Grammy de 1961 al Mejor Álbum de Espectáculo fue para la grabación del elenco.
Rodgers no se limitó a quedarse en el escenario. Ya había ganado un Premio de la Academia a la Mejor Canción Original en 1946 por “It Might as Well Be Spring” de la película State Fair. El dúo supo trasladar su peso teatral al cine.
Últimos años y un legado duradero
La muerte de Hammerstein en 1960 dejó a Rodgers solo. Él no se detuvo. Siguió escribiendo. El documental Victory at Sea de 1952 mostró su capacidad para componer narrativas históricas épicas. También compuso para Winston Churchill: The Valiant Years (1961–63). Ese trabajo le valió un Emmy en 1962.
La exitosa película La sonido de la música de 1965, protagonizada por Julie Andrews, requirió una última adición. Rodgers escribió “I Have Confidence” específicamente para la pantalla.
Su último trabajo teatral, No Strings en 1962, fue arriesgado. La orquesta fue colocada en el escenario. El público pudo ver a los músicos. Fue una declaración audaz sobre la visibilidad del proceso creativo. Rodgers ganó un Tony especial por esta innovación. La mención también reconoció sus contribuciones a los jóvenes en el teatro. Se llevó a casa un Tony a la mejor banda sonora y un Grammy por el álbum.
El reconocimiento se acumuló en las décadas siguientes. Ingresó al Salón de la Fama de los Compositores en 1970. El Centro Kennedy lo honró en 1978. Publicó su autobiografía, Musical Stages, en 1975.
Los problemas de salud aumentaron. Cáncer. Un infarto. El cuerpo se rindió antes de que el recuerdo de su trabajo se desvaneciera. Rodgers murió en 1979 a los 77 años. Pasaron meses después del debut de I Remember Mama.
La memoria institucional de su obra no hizo más que fortalecerse. En 2003, la Biblioteca del Congreso añadió la grabación original de 1943 de Oklahoma! al Registro Nacional de Grabaciones. Lo consideraron cultural, histórica y estéticamente significativo.
Las canciones quedan. El arte escénico permanece. Las asociaciones que definieron el teatro musical estadounidense ahora son parte del registro permanente.
