Nie tylko pisał piosenki. Stworzył architekturę złotego wieku Broadwayu. Richard Rogers (1902–1979) był tytanem. Kompozytor mający na swoim koncie ponad 1500 utworów. Jest współautorem ponad 50 musicali. Niektóre z nich na zawsze zmieniły teatr.
Pamiętajcie o „Oklahomie!” 1943. Pomyśl o Dźwiękach muzyki z 1959 roku. Albo „Pala Joey” z 1940 roku. To nie są tylko przedstawienia. To są kamienie milowe.
Rogers jest jedną z niewielu osób, które osiągnęły status EGOT. Oznacza to, że zdobył nagrodę Emmy, Grammy, Oscara i Tony. Wszystkie cztery główne nagrody. Zrobił to przed Internetem. Przed streamingiem. Zanim dominował nowoczesny przemysł.
Wczesne lata i korzenie
Urodził się 28 czerwca 1902 roku na stacji Hummels w stanie Nowy Jork. Był jednym z dwóch synów. Jego rodzice byli rosyjskimi imigrantami żydowskimi. Jego ojciec, William Rogers (pierwotnie Rogazinsky), był lekarzem. Jego matka, Mamie (z domu Levy), grała w domu na pianinie. Była muzykiem amatorem.
To środowisko domowe zrobiło różnicę. Młody Richard wcześnie nauczył się grać na pianinie. Zaczął komponować muzykę do amatorskich przedstawień klubów męskich. Jako nastolatek nie pisał już tylko melodii. Tworzył pełnoprawne musicale. Prawa autorskie do swoich dzieł zarejestrował już wtedy, gdy większość nastolatków była jeszcze w szkole średniej.
Partnerstwo z Hartem
Przed czasami Hamersteina istniał Lorenz Hart. Ich partnerstwo przeszło do legendy. To zdefiniowało lata 30. XX wieku. Ich piosenki były dowcipne. Pikantny. Gorzkie. Stworzyli nowy typ komedii muzyczno-muzycznej, w której słowa i muzyka były ze sobą ściśle powiązane. Nie tylko niezależne hity.
Rogers i Hart pracowali razem przez wiele lat. Zbudowali reputację. Styl. Dźwięk. Był wyjątkowy. Był ich własny.
Współpraca z Lorenzem Hartem zapoczątkowała epokę amerykańskiego musicalu, łącząc melodyjny geniusz Rodgersa z lirycznym dowcipem Harta.
Ale partnerstwa się zmieniają. Wojna zmieniła wszystko. A potem przyszedł Oscar Hamerstein II.
Rodgers i Hart Epode
Współpraca Richarda Rogersa z Lorenzem Hartem rozpoczęła się w 1919 roku. Poznali się dzięki powiązaniom rodzinnym brata Rogersa. Hart był siedem lat starszy. Rzucił studia na Uniwersytecie Columbia. Pracował przy tłumaczeniu niemieckich oper i sztuk teatralnych. Obaj podziwiali Jerome’a Kerna. Kern był kompozytorem musicalu Show Boat. Położył podwaliny pod wyjątkowo amerykański styl teatru muzycznego.
Rogers studiował na Uniwersytecie Columbia. On i Hart współpracowali przy programie studenckim „Fly with Me” z 1919 roku. Rogers opuścił Uniwersytet Columbia po półtora roku. Pragnął poświęcić się całkowicie pisaniu muzyki dla teatru muzycznego. Studiował w Instytucie Sztuk Muzycznych w Nowym Jorku. Szkoła ta jest obecnie znana jako Juilliard School of Music. Spędził tam dwa lata studiując kompozycję. W tym czasie on i Hart stworzyli kilka amatorskich produkcji.
Pierwszy sukces zawodowy odnieśli w 1925 roku. Rewia nosiła nazwę The Garrick Gaieties. Zawierał on piosenkę „Manhattan”. Ich komedia On Your Toes z 1936 roku zmieniła krajobraz gatunku. Zawierał balet jazzowy Slaughter on Tenth Avenue. Choreografia: George Balanchine. Spektakl ten wprowadził balet na scenę muzyczną. Ustanowiła taniec poważny jako stały element komedii muzycznej.
Potem nastąpiły inne znaczące dzieła. W 1937 roku ukazało się „Babes in Arms*”. Dał nam piosenki „My Funny Valentine” i „The Lady Is a Tramp”. W 1938 roku napisali także „Poślubiłem anioła”. W tym samym roku zaadaptowali „Komedię błędów” Szekspira do „Chłopców z Syrakuz”.
Pal Joey z 1940 r. oznaczał zmianę. Zaadaptowany przez Johna O’Hara na podstawie jego własnych opowiadań, odszedł od czystego eskapizmu. Jego celem był poważny dramat. Był zbyt realistyczny jak na swoje czasy. Początkowo widzowie zareagowali na to dwuznacznie. Ale odrodzenie 1952 roku przyniosło ogromny sukces. W programie znalazła się piosenka „Bewitched, Bothered, and Bewildered”.
Para pracowała także przy filmach. Piosenka „Blue Moon” została wydana w 1934 roku. Była to jedyna ich piosenka, która nie pojawiła się w produkcjach teatralnych ani filmowych. Ich ostatnia współpraca to By Jupiter w 1942 roku. Miało to miejsce na rok przed śmiercią Harta.
Przejdź do Oscara Hammersteina
Po śmierci Harta Rogers potrzebował nowego autora tekstów. Zwrócił się do Oscara Hammersteina II. To partnerstwo zdefiniowało złoty wiek Broadwayu. Ale przejście nie było natychmiastowe. Rodgers musiał dostosować się do literackiego podejścia Hammersteina. Hart był dowcipną i cyniczną połową duetu. Hammerstein był idealistą.
Pierwszy duży sukces przyniósł Oklahoma! w 1943 roku. Połączył piosenkę, taniec i historię w spójną całość. Było to odejście od stylu rewiowego, od którego rozpoczęła się saga Rodgersa i Harta. Sukces Oklahomy! utorował drogę wielkim hitom. „Carousel” ukazał się w 1945 r. „South Pacific” został wydany w 1949 r. W 1951 r. pojawił się „The King and I*”.
Następnie w 1959 roku ukazało się „Dźwięki muzyki”. Stał się jednym z najpopularniejszych musicali wszechczasów. Rogersa i
Formuła Rodgersa i Hammersteina na dominację na Broadwayu
Wszystko zaczęło się od przedstawienia Zielone uprawiaj bzy. W 1942 roku Richard Rodgers i Oscar Hammerstein II przejęli sztukę Lynn Riggs i całkowicie ją wymyślili. W rezultacie w 1943 roku powstał film Oklahoma!. To nie był tylko hit. To był przełom.
Program miał 2248 przedstawień. Liczba ta była na tamte czasy zdumiewająca. Choreografia Eins de Mille wplatała taniec w narrację w sposób, jakiego widzowie nigdy wcześniej nie widzieli. Piosenki takie jak „Oh, What a Beautiful Morning” i „People Will Say We’re in Love” nie tylko zapewniały rozrywkę; przyspieszyli fabułę. W 1955 roku wypuszczono adaptację filmową, która zachowała tę magię, ale wersja kinowa zdobyła w 1944 roku Nagrodę Pulitzera. Ta współpraca trwała 17 lat. Skończyło się dopiero wraz ze śmiercią Hammersteina.
Sukces zrodził nowe dzieła. „Karuzela” pojawiła się w 1945 r., a jej filmowa adaptacja została wydana w 1956 r. Był dobry. Allegro z 1947 r. było eksperymentalne i zakończyło się porażką. Ale potem, w 1949 roku, pojawił się Południowy Pacyfik.
To było inne. Shoshe bezpośrednio odniósł się do uprzedzeń rasowych. Nie bałam się tego tematu. Muzyka odpowiadała głębi psychologicznej bohaterów. „Some Enchanted Evening” i „Younger than Springtime” stały się standardami, ale prawdziwa siła tkwiła w kwestionowaniu uprzedzeń. Występ na Broadwayu trwał prawie tak długo, jak Oklahoma!. Rodgers i Hammerstein otrzymali drugą nagrodę Pulitzera w 1950 roku. Rogers zdobył także nagrodę Tony za najlepszą muzykę oryginalną.
Rozszerzanie katalogu i crossovery w Hollywood
Podtrzymali dynamikę. W 1951 roku pojawiliśmy się Król i ja. To było egzotyczne, złożone i imponujące wizualnie. W 1956 r. powstała adaptacja filmowa. W 1955 r. ukazał się „Pipe Dream”. Nie zrobił większego wrażenia. The Flower Drum Song z 1958 r. wprowadził na scenę inną kulturową atmosferę dzięki adaptacji filmowej wydanej w 1961 r.
Ale perłą kolekcji były Dźwięki muzyki. Premiera odbyła się w 1959 roku i stała się jednym z ich największych sukcesów. Zdobył nagrodę Tony dla najlepszego musicalu. Nagroda Grammy z 1961 r. dla najlepszego albumu serialu trafiła do nagrania obsady.
Rogers nie ograniczył się tylko do sceny. Zdobył już Oscara za najlepszą piosenkę oryginalną w 1946 roku za utwór „It Might As Well Be Spring” z filmu State Fair. Duet wiedział, jak przenieść swój teatralny ciężar do filmu.
Ostatnie lata i trwałe dziedzictwo
Śmierć Hammersteina w 1960 pozostawiła Rodgersa samego. Nie zatrzymał się. Kontynuował pisanie. W filmie dokumentalnym „Zwycięstwo na morzu” z 1952 roku zademonstrowano jego umiejętności tworzenia muzyki do epickich narracji historycznych. Skomponował także muzykę do filmu „Winston Churchill: The Valiant Years” (1961–1963). Ta praca przyniosła mu nagrodę Emmy w 1962 roku.
Ogromna filmowa adaptacja „Dźwięków muzyki” z 1965 roku, w której wystąpiła Julie Andrews, wymagała jeszcze jednego ostatniego dodatku. Rogers napisał „I Have Confidence” specjalnie na ekran.
Jego ostatnie dzieło teatralne, „No Strings” z 1962 roku, było ryzykowne. Na scenie umieszczono orkiestrę. Widzowie mogli zobaczyć muzyków. Było to odważne posunięcie, które pokazało przejrzystość procesu twórczego. Za tę innowację Rogers otrzymał specjalną nagrodę Tony. W cytacie wskazano także na jego zasługi dla młodych ludzi w świecie teatralnym. Zdobył nagrodę Tony za najlepszy film muzyczny i nagrodę Grammy za album.
Uznanie gromadziło się przez kolejne dziesięciolecia. W 1970 r. został wprowadzony do Songwriters Hall of Fame. Kennedy Center uhonorowało go w 1978 r. W 1975 r. opublikował swoją autobiografię „Musical Stages”.
Stan zdrowia się pogarszał. Rak. Zawał serca. Ciało poddało się, zanim pamięć o jego pracy zanikła. Rogers zmarł w 1979 roku w wieku 77 lat. Było to kilka miesięcy po premierze „I Remember Mama*”.
Instytucjonalna pamięć o jego twórczości tylko się wzmocniła. W 2003 roku Biblioteka Kongresu dodała do Krajowego Rejestru Nagrań oryginalne nagranie obsady musicalu „Oklahoma!” z 1943 roku. Uznano, że ma znaczenie kulturowe, historyczne i estetyczne.
Piosenki pozostały. Pozostała scenografia. Partnerstwa, które zdefiniowały amerykański musical, są teraz częścią trwałego dziedzictwa historycznego.
