Nato a Cremona nel 1567 e morto a Venezia nel 1643, Claudio Monteverdi non fu solo un compositore. Era l’architetto di un nuovo suono. Ha preso il panorama musicale del tardo Rinascimento e ha ritagliato lo spazio per l’opera. Ha anche trascinato la musica sacra nell’era moderna, infondendole un impulso secolare mai sentito prima.
Il suo inizio è stato umile. Suo padre era un barbiere-chirurgo e chimico. Ma il ragazzo aveva orecchie per la musica. Studiò con Marcantonio Ingegneri, direttore della musica del duomo di Cremona. Ingegneri non se la cavava male. Scrisse musica sacra e madrigali di tutto rispetto che erano attuali negli anni Settanta del Cinquecento, anche se non erano rivoluzionari.
Monteverdi capì tutto velocemente. Troppo veloce, forse. Durante l’adolescenza pubblicava libri di musica religiosa e secolare. Erano competenti. Sembravano il suo insegnante. Ma erano suoi.
Il vero cambiamento è avvenuto a Venezia. Due libri di madrigali furono pubblicati nel 1587 e nel 1590. Questi furono stampati da una delle case più famose della città. La musica era migliore. Più nitido. Più moderno delle cose di Ingegneri. Probabilmente stava studiando Luca Marenzio. Marenzio era all’epoca il re dei madrigali italiani. Tutti volevano sembrare come lui.
Così fece Monteverdi. Ma c’era una differenza di intenti. Il primo Monteverdi voleva affascinarti. Non voleva ancora strapparti il cuore. Il suo obiettivo era l’eleganza. Piacere. Puoi ascoltarlo nella sua ambientazione di “Ecco il mare mormorante” di Torquato Tasso. È attraente. È abile. Ma è educato.
Non era ancora arrivato. La passione stava arrivando. La tempesta si stava preparando. Ma in quei primi anni veneziani, era solo un ragazzino di grande talento con una macchina da stampa e molta ambizione.
Gli anni di Mantova
Monteverdi probabilmente lasciò la sua città natale intorno al 1590, entrando al servizio del Duca di Mantova come suonatore di archi. Fu lì, in quella corte, che si scontrò con il talento più formidabile dell’epoca. Il compositore che rimodellò la sua traiettoria fu Giaches de Wert. Modernista fiammingo attivo nella corrente d’avanguardia degli anni Novanta del Cinquecento, Wert operava secondo un unico principio: la musica doveva rispecchiare l’esatto stato d’animo del testo. La declamazione naturale non era negoziabile.
Wert scelse poesie del Tasso e di Battista Guarini. Il risultato è stato altamente emotivo, se non particolarmente melodico. Era difficile cantare. Ebbe un effetto immediato e corrosivo su Monteverdi. Il suo primo libro di madrigali, pubblicato in quel primo anno a Mantova, mostrò l’influenza, sebbene non l’avesse ancora padroneggiata del tutto. È stato un perno completo. La melodia divenne spigolosa. L’armonia divenne sempre più dissonante. L’atmosfera si fece tesa, al limite del nevrotico. Guarini era il poeta preferito. Ogni sfumatura del verso è stata espressa, anche se ha rotto l’equilibrio musicale.
Lotte e stagnazione
Questo nuovo stile sembrava inceppare i suoi ingranaggi creativi. Continuò a comporre ma non pubblicò quasi nulla per i successivi undici anni. Nel 1595 partecipò a una spedizione militare in Ungheria. Quattro anni dopo, un altro viaggio nelle Fiandre. Intorno al 1599 sposò Claudia Cattaneo, cantante. Avevano tre figli; uno è morto in tenera età.
Quando Wert morì nel 1596, si aprì il posto di maestro di cappella. Monteverdi è stato scavalcato. Era amareggiato. Non ottenne la direzione fino al 1602, all’età di 35 anni.
Poi, le chiuse si sono aperte. Pubblicò due libri di madrigali nel 1603 e nel 1605. Entrambi contenevano capolavori. Lo stile d’avanguardia era ormai completamente assimilato. Inseguiva ancora il significato del verso, ma risolveva i problemi musicali dello sviluppo tematico e delle proporzioni. Le dissonanze si sono fatte più dure. La melodia è rimasta frastagliata. Ma l’effetto complessivo era più vario, meno nevrotico. Laddove l’erotismo di Guarini innescava uno stile sensuale, Monteverdi spesso infondeva nei suoi madrigali maturi leggerezza e umorismo. Ha visto l’essenza della poesia, non solo i dettagli.
Le guerre teoriche
Le sue tecniche avanzate, in particolare la dissonanza intensa e prolungata, fecero arrabbiare i conservatori. Monteverdi divenne la figura di punta dell’avanguardia. Un teorico bolognese di nome Giovanni Maria Artusi lo attaccò in una serie di opuscoli. Questa controversia rese Monteverdi il compositore più famoso della sua epoca. Lo ha costretto a rispondere con un’importante dichiarazione estetica.
Ha negato di essere un rivoluzionario. Affermava di seguire una tradizione che si sviluppava da cinquant’anni. Questa tradizione cercava un’unione delle arti, in particolare delle parole e della musica. Sosteneva che non avrebbe dovuto essere giudicato solo sulla base dei dispositivi musicali convenzionali. L’opera d’arte doveva essere abbastanza potente da “muovere l’uomo intero”. Ciò potrebbe significare abbandonare alcune convenzioni.
Ma ha anche dichiarato di credere in una tradizione più antica. Uno in cui la musica stessa era suprema. Polifonia pura, come quella di Josquin des Prez e Giovanni Palestrina. Chiamò queste due “pratiche”. Era una visione immensamente influente. Stabilì una dicotomia che sarebbe durata fino al XIX secolo: lo stile antico per la musica sacra, lo stile moderno per l’opera e le cantate.
Orfeo e la nascita dell’Opera
I madrigali gli avevano dato una reputazione fuori dal nord Italia. Ma fu la sua prima opera, Orfeo (1607), a consacrarlo come maestro della musica su larga scala, non solo delle squisite miniature. Probabilmente vide le prime esibizioni di fiorentini come Jacopo Peri e Giulio Caccini. Aveva già scritto musica di scena, ma Orfeo mostrava una concezione più ampia del genere.
Unì l’opulenza degli intrattenimenti drammatici del tardo Rinascimento con la semplicità di un semplice racconto pastorale in recitativo. L’ideale fiorentino era un discorso accentuato. Il recitativo di Monteverdi era più flessibile, più espressivo. Era basato sulla melodia declamatoria dei suoi madrigali. Soprattutto possedeva il dono dell’unità drammatica. Ha modellato interi atti in unità musicali invece di assemblarli da piccole sezioni. Ha abbinato i climax drammatici a quelli musicali, usando la dissonanza, il virtuosismo o il colore strumentale per creare emozioni intense.
Ha inventato l’opera? No. Ma ha dimostrato che poteva attirare il pubblico. Il resto è storia. O almeno così ti dicono.
Il prezzo di L’Arianna e la musica del dolore
Il costo personale della produzione di Orfeo fu elevato. Monteverdi ha perso la moglie a causa di una lunga malattia poco dopo la prima. Afflitto dal dolore, si ritirò a Cremona, nella casa paterna. Ma Mantova non ha aspettato. La corte dei Gonzaga aveva bisogno della musica per il matrimonio dell’erede Francesco Gonzaga con Margherita di Savoia. Lo hanno richiamato. A malincuore, Monteverdi tornò. Il carico di lavoro era schiacciante. Non stava semplicemente scrivendo un’opera; stava componendo la colonna sonora di un balletto e di intermezzi per uno spettacolo teatrale.
Poi è arrivata una seconda tragedia. Durante le prove della nuova opera, L’Arianna, la prima donna morì di vaiolo. Questa giovane donna aveva vissuto nella casa di Monteverdi, forse come studentessa della sua defunta moglie. La produzione si fermò. Il ruolo è stato rifuso. Nel maggio 1608 l’opera fu finalmente inaugurata. È stato un successo enorme. Sfortunatamente, la partitura completa va perduta nel tempo. Sopravvive solo il “Lamento”, in varie iterazioni. Si tratta della prima grande scena operistica, una scena di intenso potere drammatico, solitamente ancorata ad arie.
Burnout e amarezza
Il successo de L’Arianna lo ha spezzato. Monteverdi crollò di nuovo nel suo santuario di Cremona. Questo periodo di esaurimento durò a lungo. Quando la corte gli ordinò di tornare nel novembre 1608, rifiutò. Alla fine se ne andò. Ma i rapporti con la famiglia Gonzaga si inasprirono definitivamente. Credeva che lo sottovalutassero e lo sottopagassero. Certo, dopo L’Arianna ha avuto un aumento e una piccola pensione. Ciò non ha risolto il risentimento.
La sua creatività non è svanita, ma si è oscurata. La musica di quest’epoca riflette la sua depressione. Ha arrangiato il “Lamento” come un madrigale a cinque voci. Compose anche una trenodia, una canzone di lutto, per la morte del suo cantante. La sestina, pubblicata più tardi nel suo sesto libro di madrigali, rappresenta l’apice della scrittura dissonante e agonizzante di quello stile.
Vespro della Beata Vergine : Una dichiarazione teologica
In mezzo all’oscurità, scrisse della musica sacra. Pubblicato nel 1610, il volume comprendeva una messa all’antica e musiche per i vespri delle feste della Beata Vergine Maria. La messa è stata una dichiarazione audace. Monteverdi voleva dimostrare che la polifonia complessa non era morta, anche se le nuove tendenze dilagavano nel continente.
La musica dei Vespri è ancora più notevole. Serve come compendio virtuale della musica sacra moderna. Ottieni grandi impostazioni di salmi alla maniera veneziana. Parti virtuosistiche per solisti. Intermezzi strumentali. Ha anche provato ad utilizzare tecniche operistiche contemporanee per ambientare le parole emozionanti del Magnificat.
Eppure, nonostante tutta la sua modernità, l’opera estende un’antica tradizione. Monteverdi utilizzava melodie greghe – canti liturgici non accompagnati – come nucleo tematico per i salmi e il Magnificat. Era musica della Controriforma. Ha mescolato strumenti tradizionali e nuovi, secolari e religiosi. L’obiettivo era chiaro: impressionare l’ascoltatore con il potere della Chiesa cattolica romana e del suo Dio.
La pura ambizione di quel volume del 1610 suggerisce un uomo che lotta per definire la sua eredità. Non stava solo componendo appunti; stava costruendo un muro contro l’obsolescenza. Ma i problemi finanziari e la politica di corte persistevano. Il trionfo artistico ha messo a tacere il dolore personale? Probabilmente no. La musica è diventata più forte per soffocarla.
Il ruolo del Maestro di Cappella e l’influenza veneziana
Quando morì il maestro di cappella della Basilica di San Marco, Monteverdi non ricevette solo un cenno; è stato invitato a un’audizione. Si assicurò l’incarico nell’autunno del 1613.
Perché lui? L’establishment musicale stava scivolando nell’irrilevanza. Giovanni Gabrieli, l’ultimo importante compositore veneziano, era recentemente morto. Il posto aveva bisogno di esperienza. Monteverdi non era principalmente un musicista di chiesa, ma trattava il lavoro con brutale serietà. Nel giro di pochi anni rivitalizzò completamente la produzione della basilica. Portò nuovi talenti, assumendo assistenti come Francesco Cavalli e Alessandro Grandi, che sarebbero diventati essi stessi compositori di rilievo. Ha incaricato servizi corali quotidiani e ha scritto una montagna di musica sacra. Non rimase però nella basilica. Ha diretto la musica per la confraternita di S. Rocco, un’influente confraternita filantropica, durante le feste annuali del santo patrono.
Le lettere di questo primo periodo veneziano mostrano un uomo trasformato. L’ansia di Mantova se n’era andata. Si sentiva onorato. È stato pagato bene. Era prolifico. Manteneva ancora i legami con Mantova, soprattutto perché Venezia non aveva scene d’opera e la corte dei Gonzaga gli offriva un lavoro regolare. Ma nella sua corrispondenza emerse una nuova filosofia. Non si trattava solo di riempire il tempo; si trattava di dare forma al futuro dell’opera.
Lo stile più antico dell’opera proveniva da due luoghi: l’intermezzo rinascimentale e il genere pastorale. Gli Intermezzi erano brevi, statici e spesso allegorici, incentrati sui desideri degli dei. Le opere pastorali erano altamente artificiali, piene di pastori e pastorelle. Monteverdi non ne voleva sapere. Voleva emozioni umane. Voleva persone riconoscibili che cambiassero idea e umore. Per fare questo aveva bisogno di nuovi strumenti musicali.
Nel suo settimo libro di madrigali (1619), sperimentò. Ha preso in prestito molto dai suoi contemporanei più giovani, ma ha dato loro più potere. Usava “lettere musicali”: severe melodie recitative scritte per abbinare le parole come in una conversazione. Poi ci fu Tirsi e Clori (1616), un balletto per Mantova. Ha mostrato una completa accettazione della semplice melodia dell’aria moderna.
Evoluzione stilistica e crisi personali
Questa spinta per una filosofia musicale pratica continuò per tutti gli anni venti del Seicento. Ha assorbito le idee di Platone, dividendo le emozioni in tre categorie: amore, guerra e calma. Ciascuno richiedeva ritmi e armonie diversi. Ha anche abbracciato il realismo. Voleva imitare i suoni della natura.
Lo si sente ne Il combattimento di Tancredi e Clorinda (1624). È una cantata drammatica ambientata su una sezione della Gerusalemme liberata del Tasso. Il pezzo presenta una rapida reiterazione di singole note in ritmi rigorosi. Usa il pizzicato, ovvero pizzicare le corde, per imitare lo scontro delle spade. Questo è stato un importante passo avanti per la scrittura di stringhe idiomatiche.
La tendenza continuò con Licoris Who Feigned Madness, un’opera comica probabilmente destinata all’ascesa al trono del duca Vincenzo II di Mantova nel 1627. La partitura è andata perduta, ma la corrispondenza sopravvive. Questo è stato un periodo stressante. Il figlio maggiore, Massimiliano, era studente di medicina a Bologna. Aveva letto libri banditi dall’Inquisizione e fu imprigionato. Ci sono voluti mesi perché Monteverdi cancellasse l’accusa. Nello stesso anno Monteverdi realizzò una commissione per gli intermezzi per L’Aminta del Tasso e un torneo a Parma, per celebrare il matrimonio del duca Odoardo Farnese con Margherita de’ Medici.
La peste, gli ordini sacri e una retrospettiva
La peste colpì Venezia nel 1630. Monteverdi e la sua famiglia sopravvissero. Ha preso gli ordini sacri durante l’epidemia. Quando la peste fu ufficialmente dichiarata finita nel novembre 1631, scrisse una grande messa per il servizio di ringraziamento a San Marco.
Il “Gloria” di quella messa sopravvive. Lo mostra mentre applica le sue teorie sulla diversità dell’umore. Ma la musica è calma. Maestoso. Manca la passione dei suoi primi anni. Parte della musica sacra di questo periodo riflette lo stesso tono. Un libro di canzoni e duetti spensierati pubblicato l’anno successivo è più o meno lo stesso.
C’è una qualità distaccata in gran parte della musica nella sua ultima raccolta di madrigali, assemblata nel 1638. Si tratta di una vasta antologia retrospettiva risalente al 1608. Il titolo, Madrigals of War and Love, espone esplicitamente le sue teorie. È un riassunto. Una dichiarazione di chiusura. Ma la musica non chiude del tutto la porta. Semplicemente svanisce.
Il boom dell’Opera di Venezia e gli ultimi capolavori di Monteverdi
Monteverdi aveva già superato i 70 anni quando iniziò questo capitolo finale della sua carriera. Potresti pensare che l’età segnali un’uscita tranquilla dal palco. Non è stato così. Invece, un cambiamento culturale a Venezia diede al vecchio maestro una seconda ventata. Nel 1637 la città aprì i suoi primi teatri d’opera pubblici. Questo è stato un punto di svolta. All’improvviso, l’opera non era più solo un lusso cortese per l’élite. Era per il pubblico.
Essendo uno dei pochi compositori con una seria esperienza nel genere, a Monteverdi furono praticamente consegnate le chiavi. Non si è limitato a guardare da bordo campo. Si è tuffato. L’Arianna ha avuto un risveglio. Ancora più importante, scrisse quattro nuove opere in circa tre anni. È stata una sorprendente esplosione di produttività per qualcuno della sua età.
I due capolavori sopravvissuti
Il tempo è crudele. Solo due di questi ultimi lavori sono sopravvissuti per intero. Ma oh, cosa funzionano? Il ritorno di Ulisse alla sua patria (Il ritorno d’Ulisse in patria ) e L’incoronazione di Poppea (L’incoronazione di Poppea ) non sono solo buoni. Sono capolavori.
Gli studiosi sottolineano spesso che queste opere portano ancora tracce dell’intermezzo e della tradizione pastorale rinascimentale. Non lasciarti ingannare. Possono essere giustamente descritte come le prime opere moderne. Perché? Perché si concentrano su situazioni umane realistiche. Le trame sono complesse. Hai trame principali intrecciate con trame secondarie. Il cast è un mix di nobiltà, servi, malvagi, fuorviati e innocenti. È uno spettro completo dell’umanità.
La musica rispecchia questo realismo. Cattura le emozioni con sorprendente precisione. Monteverdi prese la filosofia sviluppata durante i suoi primi anni a Venezia e la mise in pratica. Utilizzò ogni strumento a disposizione di un compositore dell’epoca. Ciò significava l’ arietta (brevi arie), i duetti e gli ensemble alla moda. Li combinò con il recitativo meno trendy ma altamente espressivo dell’inizio del XVII secolo.
Prima il dramma, poi la musica
L’enfasi in queste partiture è sempre sul dramma. Le unità musicali sono raramente autonome. Sono intrecciati in uno schema continuo. La musica è al servizio della storia. Rimane un mezzo per raggiungere un fine, non il fine stesso. C’è la sensazione di costruire verso un grande climax. Questo ispira espansivi momenti di scena per i cantanti solisti, che si tratti di Ulisse, Nerone o Poppea.
Tuttavia, le opere sono musicalmente attraenti. Offrono abbastanza melodie memorabili da restare nella tua testa. Questo equilibrio è ciò che li fa resistere.
Gli ultimi riconoscimenti di un compositore
Con queste opere Monteverdi consolidò il suo status di uno dei più grandi drammaturghi musicali della storia. I suoi datori di lavoro veneziani lo sapevano. Hanno mostrato il loro rispetto dandogli dei soldi durante i suoi ultimi anni. Gli concessero anche il permesso di recarsi nella sua città natale negli ultimi mesi della sua vita.
Il rispetto del pubblico era ancora più visibile. Dopo che una breve malattia lo colse, il popolo di Venezia accorse al suo funerale. Fu sepolto nella Chiesa dei Frari. Un monumento a lui è ancora lì. È un tranquillo tributo da parte della città che ha dato la scintilla alla sua ultima carriera.
