Il n’a pas seulement écrit des chansons. Il a construit l’architecture de l’âge d’or de Broadway. Richard Rodgers (1902-1979) était un titan. Compositeur avec plus de 1 500 chansons à son actif. Il a co-écrit plus de 50 comédies musicales. Certains d’entre eux ont changé le théâtre pour toujours.
Pensez à Oklahoma ! en 1943. Pensez à The Sound of Music en 1959. Ou à Pal Joey en 1940. Ce ne sont pas que des spectacles. Ce sont des repères.
Rodgers est l’une des rares personnes à avoir obtenu le statut EGOT. Cela signifie qu’il a remporté les Emmy, Grammy, Oscar et Tony. Les quatre prix majeurs. Il l’a fait avant qu’Internet n’existe. Avant la diffusion. Avant que l’industrie moderne ne prenne le relais.
Première vie et racines
Né à Hammels Station, New York, le 28 juin 1902. Il était l’un des deux fils. Ses parents étaient des immigrants juifs russes. Son père, William Rodgers (à l’origine Rogazinsky), était médecin. Sa mère, Mamie (née Levy), jouait du piano à la maison. Elle était musicienne amateur.
Cette vie à la maison comptait. Le jeune Richard a appris très tôt le piano. Il a commencé à composer pour des spectacles de clubs de garçons amateurs. À l’adolescence, il ne se contentait pas d’écrire des chansons. Il écrivait des comédies musicales complètes. Il avait déposé des droits d’auteur sur son travail avant que la plupart des enfants ne terminent leurs études secondaires.
Le partenariat Hart
Avant les années Hammerstein, il y avait Lorenz Hart. Le partenariat était légendaire. Cela a défini les années 1930. Leurs chansons étaient pleines d’esprit. Pointu. Doux-amer. Ils ont créé un nouveau genre de comédie musicale. Celui où les paroles et la musique étaient étroitement liées. Pas seulement des succès isolés.
Rodgers et Hart ont écrit ensemble pendant des années. Ils se sont bâti une réputation. Un style. Un son. C’était distinct. C’était le leur.
La collaboration avec Lorenz Hart a défini une ère du théâtre musical américain, mêlant le génie mélodique de Rodgers à l’esprit lyrique de Hart.
Mais les partenariats changent. La guerre a tout changé. Et puis vint Oscar Hammerstein II.
L’ère Rodgers et Hart
Le partenariat de Richard Rodgers avec Lorenz Hart a commencé en 1919. Ils se sont rencontrés grâce à un lien avec le frère de Rodgers. Hart avait sept ans de plus. Il avait abandonné ses études à l’Université de Columbia. Il a travaillé en traduisant des opéras et des pièces de théâtre allemands. Les deux hommes admiraient Jérôme Kern. Kern était le compositeur derrière Show Boat. Il a été le pionnier d’un style de théâtre musical typiquement américain.
Rodgers s’est inscrit à Columbia. Lui et Hart ont collaboré à l’émission universitaire de 1919, Fly with Me. Rodgers a quitté Columbia après un an et demi. Il voulait composer à plein temps pour le théâtre musical. Il a étudié à l’Institute of Musical Art de New York. Cette école est désormais connue sous le nom de Juilliard School of Music. Il y passe deux ans à étudier la composition. Pendant ce temps, lui et Hart ont produit ensemble plusieurs émissions amateurs.
Leur première pause professionnelle eut lieu en 1925. La revue s’appelait The Garrick Gaieties. Il comprenait la chanson « Manhattan ». Leur comédie de 1936, On Your Toes, a changé le paysage du genre. Il présentait le ballet de jazz Slaughter on Tenth Avenue. George Balanchine s’est chargé de la chorégraphie. Cette production a introduit le ballet sur la scène musicale. Il a fait de la danse sérieuse un élément permanent de la comédie musicale.
D’autres travaux notables suivirent. Babes in Arms est arrivé en 1937. Il nous a donné « My Funny Valentine » et « The Lady Is a Tramp ». Ils écrivirent également J’ai épousé un ange en 1938. La même année, ils adaptèrent La Comédie des erreurs de Shakespeare en Les Garçons de Syracuse.
Pal Joey en 1940 a marqué un changement. Adapté par John O’Hara de ses propres nouvelles, il s’éloigne de la pure évasion. Il visait un drame sérieux. C’était trop réaliste pour l’époque. Le public n’a pas bien réagi au départ. Mais une reprise en 1952 apporta un énorme succès. L’émission comprenait “Ensorcelé, dérangé et perplexe”.
Le couple a également écrit pour le cinéma. “Blue Moon” est sorti en 1934. C’était leur seule chanson qui n’avait pas été présentée dans une production scénique ou cinématographique. Leur dernière collaboration fut By Jupiter en 1942. Cela eut lieu un an avant la mort de Hart.
Le passage à Oscar Hammerstein
Après la mort de Hart, Rodgers avait besoin d’un nouveau parolier. Il s’est tourné vers Oscar Hammerstein II. Ce partenariat définirait l’âge d’or de Broadway. Mais la transition n’a pas été instantanée. Rodgers a dû s’adapter à l’approche littéraire de Hammerstein. Hart était la moitié spirituelle et cynique du duo. Hammerstein était l’idéaliste.
Le premier grand succès est venu avec Oklahoma! en 1943. Il intégrait la chanson, la danse et l’histoire dans un tout homogène. C’était une rupture avec les débuts de style revue de l’ère Rodgers et Hart. Le succès de Oklahoma! a ouvert la voie à des succès massifs. Carousel a suivi en 1945. South Pacific est arrivé en 1949. Le roi et moi sommes arrivés en 1951.
Puis vint The Sound of Music en 1959. Elle devint l’une des comédies musicales les plus appréciées de tous les temps. Rodgers et
Le plan de Rodgers et Hammerstein pour la domination de Broadway
Tout a commencé avec Green Grow the Lilacs. En 1942, Richard Rodgers et Oscar Hammerstein II ont repris la pièce de Lynn Riggs et l’ont transformée en quelque chose d’entièrement nouveau. Le résultat fut Oklahoma ! en 1943. Ce n’était pas seulement un succès. Cela a brisé le moule.
Le spectacle a duré 2 248 représentations. Ce chiffre était stupéfiant à l’époque. La chorégraphie d’Agnès de Mille a fusionné la danse avec le récit d’une manière que le public n’avait jamais vue auparavant. Des chansons comme « Oh, What a Beautiful Morning » et « People Will Say We’re in Love » ne se contentaient pas de divertir ; ils ont fait avancer l’intrigue. L’adaptation cinématographique de 1955 a capturé cette magie, mais la version scénique a remporté le prix Pulitzer en 1944. Ce partenariat a duré 17 ans. Cela n’a pris fin qu’à la mort d’Hammerstein.
Le succès a engendré davantage de travail. Carousel suivit en 1945, avec une version cinématographique en 1956. C’était bien. Allegro en 1947 était expérimental et trébuchait. Puis vint le Pacifique Sud en 1949.
C’était différent. L’émission s’attaque de front aux préjugés raciaux. Il n’en avait pas peur. La musique correspondait à la profondeur psychologique des personnages. « Some Enchanted Evening » et « Younger than Springtime » sont devenus des standards, mais le véritable pouvoir résidait dans la confrontation des préjugés. La diffusion à Broadway a duré presque aussi longtemps que Oklahoma !. Rodgers et Hammerstein ont remporté un deuxième prix Pulitzer en 1950. Rodgers a également remporté un Tony pour la meilleure musique originale.
Élargissement du catalogue et des crossovers hollywoodiens
Ils ont maintenu la dynamique. Le roi et moi sommes arrivés en 1951. C’était exotique, complexe et visuellement saisissant. Une version cinématographique suivit en 1956. Puis vint Pipe Dream en 1955. Il n’eut pas autant de résonance. The Flower Drum Song en 1958 a apporté une saveur culturelle différente sur scène, avec une version cinématographique en 1961.
Mais le joyau de la couronne était The Sound of Music. Créé en 1959, il est devenu l’un de leurs principaux succès. Il a remporté le Tony de la meilleure comédie musicale. Le Grammy 1961 du meilleur album de spectacle est allé à l’enregistrement du casting.
Rodgers ne se contentait pas de rester sur scène. Il avait déjà remporté l’Oscar de la meilleure chanson originale en 1946 pour “It Might as Well Be Spring” du film State Fair. Le duo a su traduire son poids théâtral au cinéma.
Dernières années et un héritage durable
La mort de Hammerstein en 1960 a laissé Rodgers seul. Il ne s’est pas arrêté. Il a continué à écrire. Le documentaire Victory at Sea de 1952 a montré sa capacité à composer des récits historiques épiques. Il a également composé pour Winston Churchill : The Valiant Years (1961-63). Ce travail lui a valu un Emmy en 1962.
Le film à succès Sound of Music de 1965, avec Julie Andrews, nécessitait un dernier ajout. Rodgers a écrit « I Have Confidence » spécifiquement pour l’écran.
Sa dernière œuvre théâtrale, No Strings en 1962, était risquée. L’orchestre était placé sur scène. Le public pouvait voir les musiciens. C’était une déclaration audacieuse sur la visibilité du processus créatif. Rodgers a gagné un Tony spécial pour cette innovation. La citation reconnaît également sa contribution à la jeunesse du théâtre. Il a remporté un Tony pour la meilleure musique et un Grammy pour l’album.
Une reconnaissance accumulée dans les décennies qui ont suivi. Il est entré au Songwriters Hall of Fame en 1970. Le Kennedy Center lui a rendu hommage en 1978. Il a publié son autobiographie, Musical Stages, en 1975.
Les problèmes de santé se sont multipliés. Cancer. Une crise cardiaque. Le corps a cédé avant que le souvenir de son travail ne s’efface. Rodgers est décédé en 1979 à l’âge de 77 ans. C’était des mois après les débuts de I Remember Mama.
La mémoire institutionnelle de son œuvre n’a fait que se renforcer. En 2003, la Bibliothèque du Congrès a ajouté l’enregistrement original de Oklahoma! de 1943 au National Recording Registry. Ils l’ont jugé important sur le plan culturel, historique et esthétique.
Les chansons restent. La mise en scène demeure. Les partenariats qui ont défini le théâtre musical américain font désormais partie du registre permanent.
