Lahir di Cremona pada tahun 1567 dan meninggal di Venesia pada tahun 1643, Claudio Monteverdi bukan hanya seorang komposer. Dia adalah arsitek suara baru. Dia mengambil lanskap musik Renaisans akhir dan mengukir ruang untuk opera. Ia juga menyeret musik gereja ke era modern, menanamkannya dengan nuansa sekuler yang belum pernah terdengar sebelumnya.
Awal mulanya sederhana. Ayahnya adalah seorang tukang cukur-ahli bedah dan ahli kimia. Tapi anak laki-laki itu punya telinga untuk musik. Ia belajar di bawah bimbingan Marcantonio Ingegneri, direktur musik di katedral Cremona. Ingegneri tidak bungkuk. Dia menulis musik gereja dan madrigal yang populer pada tahun 1570-an, meskipun tidak revolusioner.
Monteverdi mengambil semuanya dengan cepat. Mungkin terlalu cepat. Pada masa remajanya, dia menerbitkan buku-buku musik religi dan sekuler. Mereka kompeten. Mereka terdengar seperti gurunya. Tapi itu miliknya.
Pergeseran nyata terjadi di Venesia. Dua buku madrigal dijatuhkan pada tahun 1587 dan 1590. Buku ini dicetak oleh salah satu rumah paling terkenal di kota itu. Musiknya lebih baik. Lebih tajam. Lebih modern dari barang-barang Ingegneri. Kemungkinan besar dia sedang mempelajari Luca Marenzio. Marenzio adalah raja madrigal Italia pada saat itu. Semua orang ingin terdengar seperti dia.
Monteverdi pun demikian. Namun ada perbedaan niat. Awal Monteverdi ingin memikat Anda. Dia belum ingin merobek hatimu. Tujuannya adalah keanggunan. Kesenangan. Anda dapat mendengarnya dalam setting “Behold the Murmuring Sea” karya Torquato Tasso. Itu menarik. Itu terampil. Tapi itu sopan.
Dia belum sampai di sana. Gairah itu datang. Badai sedang terjadi. Namun di tahun-tahun awal Venesia, dia hanyalah seorang anak yang sangat berbakat dengan mesin cetak dan ambisi yang besar.
Tahun Mantua
Monteverdi kemungkinan besar meninggalkan kampung halamannya sekitar tahun 1590, bekerja di Duke of Mantua sebagai pemain string. Di sanalah, di lapangan itu, dia bertabrakan dengan talenta paling tangguh di zamannya. Komposer yang mengubah lintasannya adalah Giaches de Wert. Seorang modernis Flemish yang bekerja di arus avant-garde tahun 1590-an, Wert beroperasi dengan satu prinsip: musik harus mencerminkan suasana teks yang sebenarnya. Deklamasi alam tidak bisa dinegosiasikan.
Wert memilih puisi dari Tasso dan Battista Guarini. Hasilnya sangat emosional, bahkan melodis. Sulit untuk bernyanyi. Hal ini mempunyai dampak yang langsung dan korosif terhadap Monteverdi. Buku madrigal pertamanya, yang diterbitkan pada tahun pertama di Mantua, menunjukkan pengaruhnya, meskipun dia belum begitu menguasainya. Itu adalah poros yang lengkap. Melodinya menjadi bersudut. Harmoni menjadi semakin disonan. Suasana menjadi tegang, mendekati neurotik. Guarini adalah penyair favorit. Setiap nuansa syair diungkapkan, meskipun merusak keseimbangan musik.
Perjuangan dan Stagnasi
Gaya baru ini sepertinya menghambat kreativitasnya. Dia terus menulis tetapi hampir tidak menerbitkan apa pun selama sebelas tahun berikutnya. Pada tahun 1595, ia ikut serta dalam ekspedisi militer ke Hongaria. Empat tahun kemudian, perjalanan lagi ke Flanders. Sekitar tahun 1599, ia menikah dengan Claudia Cattaneo, seorang penyanyi. Mereka memiliki tiga anak; satu meninggal saat masih bayi.
Ketika Wert meninggal pada tahun 1596, jabatan maestro di cappella dibuka. Monteverdi dilewatkan. Dia pahit. Dia baru mendapatkan jabatan direktur pada tahun 1602, pada usia 35 tahun.
Kemudian, pintu air terbuka. Ia menerbitkan dua buku madrigal pada tahun 1603 dan 1605. Keduanya berisi mahakarya. Cara avant-garde kini telah berasimilasi sepenuhnya. Dia masih mengejar arti dari syair tersebut, tetapi dia memecahkan masalah musik dari pengembangan dan proporsi tematik. Disonansi menjadi semakin parah. Melodinya tetap bergerigi. Namun efek keseluruhannya lebih bervariasi, tidak terlalu neurotik. Jika erotisme Guarini memicu gaya sensual, Monteverdi sering kali menyuntikkan madrigal dewasanya dengan ringan dan humor. Ia melihat inti puisi, bukan hanya detailnya.
Perang Teori
Teknik-teknik canggihnya—khususnya disonansi yang intens dan berkepanjangan—membuat marah kaum konservatif. Monteverdi menjadi tokoh avant-garde. Seorang ahli teori Bolognese bernama Giovanni Maria Artusi menyerangnya dalam serangkaian pamflet. Kontroversi ini menjadikan Monteverdi sebagai komposer paling terkenal pada zamannya. Hal ini memaksanya untuk merespons dengan pernyataan estetika yang besar.
Dia membantah menjadi seorang revolusioner. Ia mengaku mengikuti tradisi yang berkembang selama lima puluh tahun. Tradisi ini mencari kesatuan seni, khususnya kata-kata dan musik. Dia berargumentasi bahwa dia tidak seharusnya dinilai berdasarkan perangkat musik konvensional saja. Karya seni tersebut harus cukup kuat untuk “menggerakkan seluruh manusia.” Hal ini mungkin berarti mengabaikan konvensi tertentu.
Namun dia juga menyatakan keyakinannya pada tradisi yang lebih tua. Tempat di mana musik itu sendiri adalah yang tertinggi. Polifoni murni, seperti yang dilakukan Josquin des Prez dan Giovanni Palestrina. Dia menyebut kedua hal ini sebagai “praktik.” Ini merupakan pandangan yang sangat berpengaruh. Ini membentuk dikotomi yang bertahan hingga abad ke-19: gaya lama untuk musik gereja, gaya modern untuk opera dan kantata.
Orfeo dan Kelahiran Opera
Madrigal telah memberinya reputasi di luar Italia utara. Namun opera pertamanya, Orfeo (1607), yang mengukuhkannya sebagai ahli musik berskala besar, bukan hanya miniatur yang indah. Dia kemungkinan besar melihat penampilan awal pemain Florentine seperti Jacopo Peri dan Giulio Caccini. Dia telah menulis musik panggung sebelumnya, tetapi Orfeo menunjukkan konsepsi genre yang lebih luas.
Dia menggabungkan kemewahan hiburan dramatis Renaisans akhir dengan keterusterangan kisah pastoral sederhana dalam resitatif. Cita-cita Florentine adalah pidato yang meninggi. Resitatif Monteverdi lebih fleksibel, lebih ekspresif. Itu didasarkan pada melodi deklamasi madrigalnya. Yang terpenting, ia memiliki bakat persatuan yang dramatis. Dia membentuk keseluruhan aksi menjadi unit musik alih-alih menyusunnya dari bagian-bagian kecil. Dia mencocokkan klimaks dramatis dengan klimaks musikal, menggunakan disonansi, keahlian, atau warna instrumental untuk menciptakan emosi yang tinggi.
Apakah dia menciptakan opera? Tidak. Tapi dia membuktikannya bisa menarik penonton. Sisanya adalah sejarah. Atau begitulah yang mereka katakan padamu.
Biaya L’Arianna dan Musik Duka
Kerugian pribadi dari produksi Orfeo sangat besar. Monteverdi kehilangan istrinya karena penyakit yang lama tak lama setelah pemutaran perdana. Karena sedih, dia mundur ke rumah ayahnya di Cremona. Tapi Mantua tidak menunggu. Istana Gonzaga membutuhkan musik untuk pernikahan pewaris Francesco Gonzaga dengan Margaret dari Savoy. Mereka memanggilnya kembali. Dengan enggan, Monteverdi kembali. Beban kerja sangat berat. Dia tidak hanya menulis sebuah opera; dia mencetak balet dan intermezzo untuk sebuah drama.
Lalu datanglah tragedi kedua. Saat latihan opera baru, L’Arianna, sang primadona meninggal karena cacar. Wanita muda ini pernah tinggal di rumah Monteverdi, kemungkinan sebagai murid mendiang istrinya. Produksinya terhenti. Peran itu disusun kembali. Pada Mei 1608, opera akhirnya dibuka. Itu merupakan kesuksesan besar. Sayangnya, skor penuhnya hilang dimakan waktu. Hanya “Lamento” yang bertahan, dalam berbagai iterasi. Ini berdiri sebagai adegan opera besar pertama—sebuah adegan dengan kekuatan dramatis yang intens, biasanya didukung oleh arias.
Kelelahan dan Kepahitan
Kesuksesan L’Arianna menghancurkannya. Monteverdi kembali ke tempat perlindungan Cremona miliknya. Masa kelelahan ini berlangsung lama. Ketika pengadilan memerintahkannya kembali pada bulan November 1608, dia menolak. Akhirnya, dia pergi. Namun hubungan dengan keluarga Gonzaga memburuk secara permanen. Dia yakin mereka meremehkan dan membayarnya terlalu rendah. Tentu, dia mendapat kenaikan gaji dan pensiun kecil setelah L’Arianna. Itu tidak menyelesaikan kebenciannya.
Kreativitasnya tidak hilang, malah menjadi gelap. Musik dari era ini mencerminkan depresinya. Dia menyusun “Lamento” sebagai madrigal lima suara. Dia juga menggubah threnody—lagu duka—atas kematian penyanyinya. Sestina, yang kemudian diterbitkan dalam buku madrigal keenamnya, mewakili puncak tulisan yang disonan dan penuh penderitaan dalam gaya tersebut.
Vespro della Beata Vergine : Pernyataan Teologis
Di tengah kesuraman, dia menulis beberapa musik gereja. Diterbitkan pada tahun 1610, volume ini memuat misa gaya lama dan musik untuk Vesper pada hari raya Santa Perawan Maria. Misa merupakan pernyataan yang berani. Monteverdi ingin membuktikan bahwa polifoni kompleks belum mati, bahkan ketika tren baru melanda benua ini.
Musik Vesper bahkan lebih luar biasa. Ini berfungsi sebagai ringkasan virtual musik sakral modern. Anda mendapatkan latar mazmur agung dalam gaya Venesia. Bagian Virtuoso untuk solois. Selingan instrumental. Ia bahkan mencoba menggunakan teknik opera kontemporer untuk mengatur kata-kata emosional Magnificat.
Namun, dengan segala modernitasnya, karya ini memperluas tradisi kuno. Monteverdi menggunakan nada-nada plainsong—nyanyian liturgi tanpa iringan—sebagai inti tematik untuk mazmur dan Magnificat. Itu adalah musik Kontra-Reformasi. Ini memadukan alat-alat tradisional dan baru, sekuler dan keagamaan. Tujuannya jelas: untuk mengesankan pendengar dengan kekuatan Gereja Katolik Roma dan Tuhannya.
Ambisi besar dari volume tahun 1610 itu menunjukkan seseorang yang berjuang untuk mendefinisikan warisannya. Dia tidak hanya menulis catatan; dia sedang membangun tembok melawan keusangan. Namun masalah keuangan dan politik pengadilan masih terus berlanjut. Apakah kemenangan artistik membungkam kesedihan pribadi? Mungkin tidak. Musiknya semakin keras untuk meredamnya.
Peran Maestro di Cappella dan pengaruh Venesia
Ketika maestro di cappella Basilika Santo Markus meninggal dunia, Monteverdi tidak hanya mendapat anggukan; dia diundang untuk mengikuti audisi. Dia mendapatkan jabatan itu pada musim gugur 1613.
Kenapa dia? Dunia musik telah menjadi tidak relevan lagi. Giovanni Gabrieli, komposer asli Venesia terakhir yang penting, baru saja meninggal. Tempat itu membutuhkan pengalaman. Monteverdi pada dasarnya bukan seorang musisi gereja berdasarkan pelatihan, tetapi dia memperlakukan pekerjaan itu dengan sangat serius. Dalam beberapa tahun, dia telah sepenuhnya merevitalisasi hasil basilika. Dia mendatangkan bakat-bakat baru, mempekerjakan asisten seperti Francesco Cavalli dan Alessandro Grandi, yang kemudian menjadi komposer terkenal. Dia mengamanatkan kebaktian paduan suara setiap hari dan menulis segunung musik sakral. Namun dia tidak tinggal di basilika. Dia mengarahkan musik untuk persaudaraan S. Rocco, sebuah persaudaraan filantropis yang berpengaruh, selama festival santo pelindung tahunan mereka.
Surat-surat dari periode awal Venesia ini menunjukkan seorang pria yang berubah. Kecemasan Mantua pun hilang. Dia merasa terhormat. Dia dibayar dengan baik. Dia produktif. Dia masih menjalin hubungan dengan Mantua, terutama karena Venesia tidak memiliki panggung opera dan istana Gonzaga menawarkan pekerjaan tetap. Namun dalam korespondensinya, muncul filosofi baru. Ini bukan hanya tentang mengisi waktu; ini tentang membentuk masa depan opera.
Gaya opera yang lebih tua berasal dari dua tempat: intermezzo Renaisans dan genre pastoral. Intermezzi pendek, statis, dan seringkali bersifat alegoris, berfokus pada keinginan para dewa. Karya pastoral sangat dibuat-buat, penuh dengan gembala dan penggembala. Monteverdi tidak menginginkan semua itu. Dia menginginkan emosi manusia. Dia menginginkan orang-orang yang dapat dikenali yang mengubah pikiran dan suasana hati mereka. Untuk melakukan hal ini, ia membutuhkan alat musik baru.
Dalam buku madrigalnya yang ketujuh (1619), dia bereksperimen. Dia banyak meminjam dari rekan-rekannya yang lebih muda tetapi memberi mereka lebih banyak kekuasaan. Dia menggunakan “huruf musik”—melodi resitatif yang ditulis untuk mencocokkan kata-kata seperti percakapan. Lalu ada Tirsi e Clori (1616), sebuah balet untuk Mantua. Ini menunjukkan penerimaan penuh atas keselarasan sederhana dari aria modern.
Evolusi gaya dan krisis pribadi
Dorongan terhadap filosofi musik praktis berlanjut hingga tahun 1620-an. Dia menyerap ide-ide dari Plato, membagi emosi menjadi tiga kelompok: cinta, perang, dan ketenangan. Masing-masing membutuhkan ritme dan harmoni yang berbeda. Dia juga menganut realisme. Dia ingin meniru suara alam.
Anda dapat mendengarnya di Pertempuran Tancredi dan Clorinda (1624). Ini adalah kantata dramatis yang diatur ke bagian Gerusalemme liberata Tasso. Karya ini menampilkan pengulangan cepat nada-nada tunggal dalam ritme yang ketat. Ia menggunakan pizzicato—memetik senar—untuk meniru benturan pedang. Ini merupakan langkah maju yang besar dalam penulisan string idiomatik.
Tren ini berlanjut dengan Licoris Who Feigned Madness, sebuah opera komik yang kemungkinan ditujukan untuk aksesi Duke Vincenzo II dari Mantua pada tahun 1627. Skornya hilang, tetapi korespondensinya tetap ada. Ini adalah saat yang menegangkan. Putra sulungnya, Massimiliano, adalah seorang mahasiswa kedokteran di Bologna. Dia telah membaca buku-buku yang dilarang oleh Inkuisisi dan dipenjarakan. Butuh waktu berbulan-bulan bagi Monteverdi untuk menyelesaikan tuduhan tersebut. Pada tahun yang sama, Monteverdi memenuhi komisi untuk intermezzi di L’Aminta Tasso dan sebuah turnamen di Parma, merayakan pernikahan Duke Odoardo Farnese dengan Margherita de’ Medici.
Wabah, perintah suci, dan retrospektif
Wabah melanda Venesia pada tahun 1630. Monteverdi dan keluarganya selamat. Dia menerima perintah suci selama epidemi. Ketika wabah penyakit secara resmi dinyatakan berakhir pada bulan November 1631, ia menulis misa besar untuk kebaktian syukur di St.
“Gloria” dari massa itu bertahan. Ini menunjukkan dia menerapkan teorinya tentang keragaman suasana hati. Tapi musiknya tenang. Megah. Itu tidak memiliki semangat seperti tahun-tahun sebelumnya. Beberapa musik gereja pada masa ini mencerminkan nada yang sama. Sebuah buku berisi lagu-lagu ringan dan duet yang diterbitkan pada tahun berikutnya hampir sama.
Ada kualitas tersendiri pada sebagian besar musik dalam koleksi madrigal terakhirnya, yang dikumpulkan pada tahun 1638. Ini adalah antologi retrospektif luas yang berasal dari tahun 1608. Judulnya, Madrigals of War and Love, secara eksplisit memaparkan teorinya. Ini adalah ringkasan. Pernyataan penutup. Namun musiknya tidak cukup menutup pintu. Itu memudar begitu saja.
Opera Boom Venesia dan Mahakarya Akhir Monteverdi
Monteverdi sudah menginjak usia 70 tahun ketika babak terakhir karirnya dimulai. Anda mungkin berpikir bahwa usia menandakan keluarnya panggung secara diam-diam. Ternyata tidak. Sebaliknya, perubahan budaya di Venesia memberi angin kedua bagi sang tuan tua. Pada tahun 1637, kota ini membuka gedung opera publik pertamanya. Ini adalah pengubah permainan. Tiba-tiba, opera bukan hanya sebuah kemewahan bagi kaum elit. Itu untuk umum.
Sebagai salah satu dari sedikit komposer dengan pengalaman serius dalam genre ini, Monteverdi praktis diberi kunci. Dia tidak hanya menonton dari pinggir lapangan. Dia terjun. L’Arianna mendapat kebangkitan. Lebih penting lagi, dia menulis empat opera baru dalam waktu sekitar tiga tahun. Ini merupakan peningkatan produktivitas yang menakjubkan bagi orang seusianya.
Dua Mahakarya yang Bertahan
Waktu itu kejam. Hanya dua dari karya-karya terakhir itu yang bertahan dengan skor penuh. Tapi oh, betapa berhasilnya mereka. Kembalinya Ulysses ke Negaranya (Il ritorno d’Ulisse in patria ) dan Penobatan Poppea (L’incoronazione di Poppea ) tidak hanya bagus. Itu adalah mahakarya.
Para ahli sering menunjukkan bahwa opera-opera ini masih membawa jejak intermezzo Renaisans dan tradisi pastoral. Jangan biarkan hal itu membodohi Anda. Opera-opera tersebut dapat dikatakan sebagai opera modern pertama. Mengapa? Karena mereka fokus pada situasi manusia yang realistis. Plotnya rumit. Anda memiliki alur cerita utama yang kusut dengan subplot. Pemerannya adalah campuran kaum bangsawan, pelayan, orang jahat, orang sesat, dan orang yang tidak bersalah. Ini adalah spektrum kemanusiaan yang utuh.
Musik mencerminkan realisme ini. Ini menangkap emosi dengan akurasi yang mencengangkan. Monteverdi mengambil filosofi yang ia kembangkan selama tahun-tahun awalnya di Venesia dan menerapkannya. Dia menggunakan setiap alat yang tersedia untuk komposer saat itu. Itu berarti arietta (aria pendek), duet, dan ansambel yang modis. Dia menggabungkannya dengan resitatif yang kurang trendi namun sangat ekspresif dari awal abad ke-17.
Drama Pertama, Musik Kedua
Penekanan skor ini selalu pada drama. Unit musik jarang berdiri sendiri. Mereka dijalin menjadi pola yang berkesinambungan. Musik menyajikan cerita. Ia tetap menjadi alat untuk mencapai tujuan, bukan tujuan itu sendiri. Ada perasaan membangun menuju klimaks besar. Hal ini menginspirasi momen scena yang luas bagi para penyanyi utama—apakah itu Ulisse, Nero, atau Poppea.
Namun, opera-opera tersebut menarik secara musikal. Mereka menawarkan melodi yang cukup berkesan untuk diingat. Keseimbangan inilah yang membuat mereka bertahan.
Penghargaan Akhir Seorang Komposer
Dengan karya-karyanya tersebut, Monteverdi mengukuhkan statusnya sebagai salah satu dramawan musik terhebat dalam sejarah. Majikannya di Venesia mengetahui hal itu. Mereka menunjukkan rasa hormat mereka dengan memberinya uang selama tahun-tahun terakhirnya. Mereka juga memberinya izin untuk melakukan perjalanan ke kota asalnya pada bulan-bulan terakhir hidupnya.
Rasa hormat masyarakat pun semakin terlihat. Setelah penyakit singkat merenggutnya, masyarakat Venesia datang ke pemakamannya. Ia dimakamkan di Gereja Frari. Sebuah monumen untuknya masih berdiri di sana. Ini adalah penghormatan diam-diam dari kota yang memberi semangat pada karirnya di akhir karirnya.
